Description:

Rembrandt van Rijn
1606 - 1669, school
Simeon and the Infant Jesus
Oil on wood
21.5 x 19 cm

Rembrandt Harmensz van Rijn, one of the most significant painters of the Dutch Baroque, had a lasting impact on 17th - century European art. His work is characterized by extraordinary psychological depth, masterful use of light, and an intense engagement with biblical and historical themes. In particular, his depiction of light—used not only for modeling but also for narrative effect—became a defining style for his numerous students and followers. In the so - called Rembrandt School, artists further developed this characteristic visual language: a dramatic staging through chiaroscuro contrasts, a warm, often earthy color palette, and an emphasized inner life of the depicted figures.
The motif “Simeon and the Infant Jesus” is based on the account in the Gospel of Luke (Luke 2:25 - 35). The elderly Simeon recognizes the newborn Jesus as the promised Messiah in the Temple of Jerusalem and takes him in his arms. At that moment, he utters the famous hymn of praise (“Nunc dimittis”), in which he thanks God that he may now die in peace. The scene is one of the most popular depictions in Christian art, as it addresses both the revelation of Christ and the fulfillment of a divine promise. Simeon is often accompanied by other figures, such as the prophetess Anna or a female attendant.
In this small - format painting, the depiction focuses on an intimate moment accentuated by light. A single ray of light falls on the central scene, while the surrounding interior remains largely in darkness. At the center is the infant Jesus, wrapped in a white cloth, being lifted up by Simeon. The old man is depicted with white - gray hair and a beard and wears an ochre - colored cloak. His gesture can be interpreted as the presentation of the child, yet his gaze is directed upward, toward the incoming light, thereby impressively emphasizing the divine dimension of the moment. His moved facial expression—with wide - open eyes and a slightly parted mouth—reveals the moment of realization.
In the background appears a female figure who can be interpreted as a companion. In the upper left half of the picture, a table or desk can be seen on which—behind a single candlestick—lies an open codex that can be interpreted as a reference to the Holy Scriptures. The light sculpts the figures three - dimensionally and makes the child and the protagonist’s face stand out in particular.
Other secondary figures, such as the figure with a hat seen from behind in the left foreground, a figure behind the desk, and a figure in the right part of the picture, remain largely in shadow. Nevertheless, their gestures and facial expressions hint at emotional stirrings: the raised hand of the figure with his back turned suggests a spontaneous reaction, while the wide - open mouth and astonished expression of the figure on the right indicate a state of deep emotion. This lends the scene an inner tension and powerfully conveys the impact of the divine revelation on those present.
Another characteristic feature is the impasto application of paint, in which the brushstrokes emerge from the surface in a relief - like manner and create deliberate accents. Especially in the areas illuminated by light, the painting style intensifies into an almost sculptural presence: Thus, the light glows on the open book, highlights Simeon’s nose and beard, and illuminates the naked Christ Child as well as parts of the accompanying figure. This nuanced treatment of the surface not only enhances the material effect but also contributes significantly to the dramatic lighting by making the interplay of visibility and concealment tangible on a painterly level.
Rembrandt’s school is characterized by a particularly striking use of chiaroscuro, which is employed here in an exemplary manner. The strong contrast between light and shadow creates a dramatic yet contemplative atmosphere. The light seems not only to illuminate the figures but to penetrate them from within, so that they appear in a warm, almost golden glow. This lighting lends the scene a spiritual intensity and underscores the emotional depth of the moment depicted—a central concern of the Rembrandt school, which always imbues the visible with a meaning that points beyond itself.



Rembrandt van Rijn
1606 - 1669, Schule
Simeon und das Jesuskind
Öl auf Holz
21,5 x 19 cm

Rembrandt Harmensz van Rijn, einer der bedeutendsten Maler des niederländischen Barock, prägte die europäische Kunst des 17. Jahrhunderts nachhaltig. Sein Werk zeichnet sich durch eine außergewöhnliche psychologische Tiefe, eine meisterhafte Lichtführung sowie eine intensive Auseinandersetzung mit biblischen und historischen Themen aus. Besonders seine Darstellung des Lichts – das nicht nur modellierend, sondern auch erzählerisch eingesetzt wird – wurde stilbildend für seine zahlreichen Schüler und Nachfolger. In der sogenannten Rembrandt-Schule entwickelten Künstler diese charakteristische Bildsprache weiter: eine dramatische Inszenierung durch Hell-Dunkel-Kontraste, eine warme, oft erdige Farbpalette sowie eine betonte Innerlichkeit der dargestellten Figuren.
Das Motiv „Simeon und das Jesuskind“ geht auf die Darstellung im Lukasevangelium (Lk 2,25-35) zurück. Der greise Simeon erkennt im Tempel von Jerusalem in dem neugeborenen Jesus den verheißenen Messias und nimmt ihn in seine Arme. In diesem Moment spricht er den berühmten Lobgesang („Nunc dimittis“), in dem er Gott dankt, dass er nun in Frieden sterben könne. Die Szene gehört zu den besonders beliebten Darstellungen der christlichen Kunst, da sie sowohl die Offenbarung Christi als auch die Erfüllung einer göttlichen Verheißung thematisiert. Häufig wird Simeon von weiteren Figuren begleitet, etwa der Prophetin Hanna oder einer weiblichen Begleitfigur.
In dem vorliegenden kleinformatigen Gemälde konzentriert sich die Darstellung auf einen intimen, durch Licht akzentuierten Moment. Ein einzelner Lichtstrahl fällt auf die zentrale Szene, während der umgebende Innenraum weitgehend im Dunkel verbleibt. Im Zentrum steht das in ein weißes Tuch gewickelte Jesuskind, das von Simeon emporgehoben wird. Der alte Mann ist mit weiß-grauem Haar und Bart wiedergegeben und trägt einen ockerfarbenen Mantel. Seine Geste lässt sich als Präsentation des Kindes deuten, doch richtet sich sein Blick nach oben, dem einfallenden Licht entgegen, wodurch die göttliche Dimension des Augenblicks eindrücklich hervorgehoben wird. Sein ergriffener Gesichtsausdruck – mit weit aufgerissenen Augen und leicht geöffnetem Mund – offenbart den Moment der Erkenntnis.
Im Hintergrund erscheint eine weibliche Figur, die als Begleiterin gedeutet werden kann. In der linken oberen Bildhälfte ist ein Tisch oder Pult zu erkennen, auf dem – hinter einem einzelnen Kerzenständer – ein aufgeschlagener Codex liegt, der als Verweis auf die Heilige Schrift interpretiert werden kann. Das Licht modelliert die Figuren plastisch und lässt insbesondere das Kind sowie das Gesicht des Protagonisten hervortreten.
Weitere Nebenfiguren, wie etwa die Rückenfigur mit Hut im linken Vordergrund, eine Gestalt hinter dem Pult sowie eine Figur im rechten Bildfeld, verbleiben weitgehend im Dunkeln. Dennoch lassen sich durch ihre Gestik und Mimik emotionale Regungen erahnen: So deutet die erhobene Hand der Rückenfigur auf eine spontane Reaktion hin, während der weit geöffnete Mund und der erstaunte Gesichtsausdruck der rechten Figur auf einen Zustand der Ergriffenheit verweisen. Die Szene gewinnt dadurch an innerer Spannung und vermittelt eindrücklich die Wirkung der göttlichen Offenbarung auf die Anwesenden.
Charakteristisch ist zudem der pastose Farbauftrag, bei dem die Pinselstriche reliefartig aus der Oberfläche hervortreten und gezielte Akzente setzen. Besonders in den vom Licht erfassten Partien verdichtet sich die Malweise zu einer nahezu plastischen Präsenz: So glimmt das Licht auf dem aufgeschlagenen Buch, hebt die Nase und den Bart Simeons hervor und lässt das nackte Christuskind sowie Teile der Begleitfigur aufleuchten. Diese differenzierte Behandlung der Oberfläche verstärkt nicht nur die stoffliche Wirkung, sondern trägt wesentlich zur dramatischen Lichtinszenierung bei, indem sie das Zusammenspiel von Sichtbarkeit und Verhüllung auf malerischer Ebene erfahrbar macht.
Die Schule Rembrandts zeichnet sich durch eine besonders eindringliche Umsetzung des Helldunkels (Chiaroscuro) aus, das hier in exemplarischer Weise zur Anwendung kommt. Der starke Kontrast zwischen Licht und Schatten erzeugt eine dramatische, zugleich kontemplative Atmosphäre. Das Licht scheint die Figuren nicht nur zu beleuchten, sondern sie innerlich zu durchdringen, sodass sie in einem warmen, beinahe goldenen Schimmer erscheinen. Diese Lichtregie verleiht der Szene eine spirituelle Intensität und unterstreicht die emotionale Tiefe des dargestellten Moments – ein zentrales Anliegen der Rembrandt-Schule, die das Sichtbare stets mit einer darüber hinausweisenden Bedeutung auflädt.



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